miércoles, 7 de febrero de 2018

Programa 3 de la Muestra CCC 2018.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

Encarnación

Encarnación es un pueblo en donde ha ocurrido una masacre realizada por el ejército. Cuando un grupo de soldados encubierto se dispone a desaparecer todo rastro de lo sucedido, Ezequiel Gallardo pierde al grupo y terminará solo en el pueblo, sin saber a qué podrá enfrentarse ni entender lo que sucede ante sus ojos.

El filme dirigido por Ricardo Castro combina diferentes géneros siendo el suspenso y la acción los principales, en este guión podemos encontrar la experimentación que busca trasgredir esos géneros cinematográficos planteando una historia que logra alcanzar gran fuerza gracias a la actuación destacada de Luis Alberti como el soldado extraviado.

Aunado a lo anterior tenemos que hay un buen manejo de la cámara, cuyos travellings y los seguimientos a los personajes terminan por volverse efectivos ya que coloca al espectador tanto en el lugar de los hechos como frente a las reacciones del personaje principal. La edición juega su parte para complementar y narrar en buena forma la trama. 

Encarnación es un trabajo realizado de manera notable, no sólo en el aspecto técnico en donde se cuidaron además detalles como el vestuario, sino también en la temática que plantea: un contexto de guerra en México (cercano a la realidad) complementado con ciertos elementos fantásticos que la llevan a desembocar en el suspenso.

Encarnación, Ricardo Castro, México, 2017, 14 min. Con: Luis Alberti, et. al.

La cruz de agujas

Situada en algún pueblo de México, en donde las costumbres juegan un papel importante por su cercana relación a las artes oscuras, una familia comienza a sufrir los estragos de la brujería. Después de la muerte de la madre, el padre comenzará a sospechar sobre la causa que provocó no sólo el deceso de su esposa, sino también la enfermedad de su cuñada.

La cinta de Harry Montiel, que respeta el formato de pantalla 4:3 empleado en la televisión previo a su digitalización, nos pone de frente al campo mexicano en donde aún se tienen las diferentes creencias de la presencia de seres oscuros o de diferentes rituales para conseguir objetivos. En este aspecto, la cinta logra plantear un guión que deambula entre el suspenso y ciertos elementos del terror que van manteniendo a flote la trama.

En ella se logra una buena ambientación en cuanto a los lugares y las personas que suelen habitar en
los pueblos mexicanos. El problema que enfrenta la cinta es el empleo de actores no profesionales en los papeles más importantes, lo cual provoca que las actuaciones no transmitan verosimilitud en sus interpretaciones y se pierda la atención en la historia. 

La cruz de agujas es una cinta que rescata (y en buena forma) el México de la magia y la brujería poniéndola en primer plano y como el motivador de la trama planteada, sin embargo, su mayor problema lo lleva en la inclusión de actores que le quitan verosimilitud a lo planteado pues se alejan de poder expresar diferentes reacciones que son importantes para complementar las atmósferas que ha creado con el guión.

La cruz de agujas, Harry Montiel, México, 2016, 19 min.

Quiero 

Los deseos en la infancia pueden llegar a ser tan grandes como la imaginación de los niños se lo propongan. En Quiero un bebé sale de su cuna para alcanzar un juguete, pero su madre frustra el intento por conseguirlo regresándolo. Pero, el deseo es más grande que la voluntad de una madre.

La historia que presenta Urzula Barba toma como materia prima el deseo, en este caso teniendo como personaje principal a un bebé. En este caso se debe resaltar el haber trabajado con un bebé, pues eso complica en ocasión el obtener los resultados deseados. Sin embargo, la cinta se encuentra con pequeños saltos inverosímiles pero que se vuelven necesarios para poder contar la historia.

El diseño de la producción es interesante, se logra una ambientación de la recámara en donde los colores destacan gracias también a una buena iluminación, el empleo de los props también resulta adecuado para darle verosimilitud a los escenarios.

Quiero es una cinta que en muy poco tiempo plantea una idea en donde el deseo infantil demuestra que no tiene fronteras.

Quiero, Urzula Barba Hopfner, México, 2017, 3 min. Con: Ethan Woolrich y Paola Izquierdo  

Otras personas

Cuando Fernando termina su relación con Sandra, se dará cuenta de que la vida que lleva esta desordenada. Con ayuda de su amiga Ana intentará darle celos. Pero difícilmente ellos mismos se creen lo que intentan, por lo cual comenzarán un juego en donde fingirán ser personas distintas para poder acercarse uno al otro. Lo que parece un juego, comienza a tener consecuencias que ninguno de los dos había previsto.

La cinta de Raúl Sebastián Quintanilla plantea un tema interesante como es el nacimiento de una relación, retomando algunas características de la juventud actual, que en muchas ocasiones se encuentra atribulada debido a las pocas oportunidades de éxito que se le presentan, en donde buscar el refugio en otra persona parece una constante. La historia se asienta en un buen manejo de la cámara, que utiliza una cámara fija y planos largos en los momentos en que los necesita y también apoyarse en diferentes movimientos cuando la misma trama lo amerita.

La fotografía es otro elemento interesante, pues es una trabajo que se presenta en blanco y negro y que en ningún momento pierde calidad en la imagen. Sin embargo, el guión tiene un pequeño problema previo al giro final, pues hay una acción en donde la verosimilitud se viene abajo pues contradice la idea de que los protagonistas han sido amigos por muchos años, lo cual funge como una
pista para que el espectador imagine ese giro final.

Otras personas es un ejercicio interesante, que cuenta con un guión que sabe darle suficiente ritmo y tiempo a cada una de las escenas y que logra, con eso, meter al espectador dentro de la trama. Con unas actuaciones resaltables y con un uso técnico que destaca, el único problema que enfrenta es el detalle de una comida que termina por provocar en el espectador cierta extrañeza que lo hará cuestionar la historia misma.

Otras personas, Raúl Sebastián Quintanilla, México, 2017, 37 min. Con: Fernando Álvarez Rebeil, Ximena Romo, Sofía Espinoza, et. al.

martes, 6 de febrero de 2018

Muestra CCC 2018 Programa 1.

Por:  Manuel Hernández-Samperio.

A la hora Marcada

En una pequeña cabaña en el ambiente rural del lejano oeste mexicano viven un abuelo con su nieta. Cada año en cierta temporada la niña se enferma. El abuelo tendrá que batirse a duelo, como en los clásicos del western para poder arrancar a su nieta de las garras de la muerte.

La obra dirigida por J. Luis Rivera retoma los elemento básicos del género del western para mezclarlo con elementos de la idiosincracia mexicana. Se logra ambientar, tanto por los lugares como por los vestuarios, en un contexto que recuerda a los filmes clásicos que hablan de la revolución mexicana. La iluminación transmite un efectivo aprovechamiento de los lugares y la edición logra añadirle un buen ritmo a la historia.


Sin embargo, el filme se enfrenta con algunos problemas con las actuaciones, las cuales terminan por ser contrastantes, pues en ocasiones logran transmitir efectivamente los sentimientos y reacciones de los personajes y por otros más se sienten un poco acartonadas. A ello le podemos añadir un pequeño error en la continuidad con un personaje que aparece de la nada.


A la hora marcada hace un muy buen esfuerzo por reconstruir y hacer llevar al espectador a un lejano oeste que se mezcla con la herencia mexicana de darle un lugar importante a la muerte.

A la hora marcada, J. Luis Rivera, México, 2017, 15 min. Con: Javier Zaragoza, Jorge de los Reyes, Sofía Saráchaga, et. al.


La proporción Aura

Leonardo es nuevo en la escuela. Sus problemas para socializar quedan de lado cuando conoce a Aura, una compañera con la que rápidamente entabla una relación amorosa. La música y las drogas acompañan las tardes que pasan juntos hasta que un día las cosas comienzan a cambiar sin un motivo aparente.

La cinta dirigida por Mariano Murguía Sotomayor nos presenta una radiografía de la juventud mexicana, en donde al parecer las relaciones se desarrollan con mayor velocidad que en otros tiempos y por lo mismo su caducidad.

Confrontando al protagonista con el dilema del primer amor, propone un final abierto, que la gran mayoría de los espectadores conoce ya.  Sin embargo, algunos de los diálogos en el guión se antojan como lugares comunes, lo cual repercute en las actuaciones que terminan por ser, en ocasiones un tanto exageradas, en otras se vuelven verosímiles y otras más conectando muy poco con las emociones hacia el público.
La proporción Aura es una cinta que tiene su mayor riqueza en retratar a una juventud que se
encuentra descubriendo el mundo, que explora en el conocimiento de la sexualidad y que al parecer se muestra indiferente al resto de lo que sucede, incluyendo la "aburrida" escuela.

La proporción Aura, Mariano Murguía Sotomayor, México, 2017, 12 min. Con: Daniel Carrera Pasternac, Danae Reynaud, et. al.





Fausto en la oscuridad

Fausto es un viejo que habita en un departamento, solitario y malhumorado la mayor parte del tiempo opta por no relacionarse con nadie. De vez en cuando, entre sueños y alucinaciones se va desenredando una historia que persigue al hombre para atormentarlo. Cuando una noche un evento inesperado lo reúne con su vecina, la historia que lo aqueja lo llevará a confrontar de nuevo su realidad.

Con la dirección de Israel Ahumada la cinta nos plantea a un ser asocial que difícilmente puede convivir consigo mismo, el cual es interpretado de muy buena forma por Rubén Pablos Soto. Es la actuación del protagonista y la excelente creación de atmósferas en lo visual a partir del correcto uso de la iluminación y los elementos que van surgiendo (como neblina o humo) las que mantienen en pie a este trabajo.

El director opta por utilizar planos largos acompañados de una cámara que en buena parte de la historia se mantiene fija, esperando a que las acciones a cuadro se desarrollen lo más cercano a la realidad, sin embargo, en el uso de este estilo se cae en algunos detalles como la repetición de
acciones para justificar la larga duración de las escenas, esto mismo lleva a que durante los primeros minutos la cinta no tenga un planteamiento claro de la historia que busca contar, el ir presentando a cuentagotas las razones que atormentan a protagonista aumentan la lentitud con la que se plantea el todo.

Fausto en la oscuridad es un trabajo que tiene la capacidad de presentar a un personaje muy bien llevado en el aspecto psicológico, pues en todo momento responde a los estímulos, tanto del pasado como del presente, de manera correcta, a esto se le puede añadir la efectiva creación de atmósferas, sin embargo, su mayor problema es el concentrarse demasiado en presentarnos su vida diaria y dejar de lado el planteamiento de la historia que nos quería contar.

Fausto en la oscuridad, Israel Ahumada, México, 2017, 33 min. Con: Rubén Pablos Soto, Ana Francis Mor, Wanda Seux, et. al.

El pacto

La pareja conformada por Lucía y Chema pasan buena parte del tiempo realizando cosas que los llevan a elevar la adrenalina al máximo, sin importarles si en ello ponen en riesgo sus vidas o las de otras personas. En este contexto han realizado un pacto, el cual ambos tratarán de respetar hasta sus últimas consecuencias ¿o tal vez no?

La cinta de Carlos Cepeda nos plantea a una pareja en donde uno de ellos ha tenido una infancia y adolescencia difíciles; su pareja en su afán por comprender y ser solidario se ha dejado arrastrar con ella hasta el punto de arriesgar la vida sin medir consecuencias. Ambas psicologías se encuentran bien definidas y bien encarnadas por las actuaciones de Eduardo Orozco y Nicolasa Ortíz quienes reflejan los sentimientos y sensaciones por las que atraviesan estos personajes.

El filme cuenta con un buen ritmo derivado de la edición como del manejo de los planos y lo que sucede en ellos. En la mayoría de las ocasiones encontramos acciones que llevan al límite a los personajes, bien planteadas y solucionadas, acaso esta exageración puede jugar en contra de la verosimilitud, pero cuando se le ve como un todo se encuentra que tiene una justificación.

El pacto es un trabajo que refleja a una parte de nuestra sociedad que enfrenta el problema de ser
ignorados o molestados por sus condiciones o por vivir a la sombra de alguien más, encontrando la manera de lidiar con ello mediante el uso de drogas o cometiendo acciones que bien pueden hacer pensar que la vida no vale nada.

El pacto, Carlos Cepeda, México, 2017, 15 min. Con: Eduardo Orozco, Nicolasa Ortíz, Aldo Escalante, et. al.

lunes, 5 de febrero de 2018

Guía de CINE GRATIS del 5 al 11de febrero.


Salas de cine

Martes 6 de febrero


- Un cóndor de Yannis Kolozis en FARO Aragón a las 15 hrs.
- Filosofía natural del amor de Sebastián Hiriart en FARO Aragón a las 17 hrs.
- El asado de satán de Reiner Werner Fassbinder en Instituto Goethe a las 20 hrs.

Miércoles 7 de febrero

- Los presentes de Alejandro Molina en Centro Cultural Universitario CU a las 11 hrs.
- El graduado de Mike Nichols en Centro Cultural Universitario CU a las 11 hrs.
- El ángel exterminador de Luis Buñuel en Centro Cultural Universitario CU a las 13 hrs.
- De puro aire de Carlos Hernández en Centro Cultural Universitario CU a las 13 hrs.
- El rey del barrio de Gilberto Martínez Solares en Cine Villa Olímpica a las 16:30 hrs.
- Sueños de libertad de Frank Darabont en Cinematógrafo del Chopo a las 17 hrs.
- A pesar de la noche de Phillipe Grandrieux en FARO Aragón a las 17 hrs.
- El maíz en tiempos de guerra de Alberto Cortés en Centro Cultural Universitario CU a las 18:30 hrs.
- Un tranvía llamado deseo de Elia Kazan en Cine Villa Olímpica a las 19 hrs.
- Sistiaga, una historia vasca de Manuel Sorto en Cineteca Nacional a las 19 hrs.


Jueves 8 de febrero


- El ángel exterminador de Luis Buñuel en Centro Cultural Universitario CU a las 11 hrs.
- De puro aire de Carlos Hernández en Centro Cultural Universitario CU a las 11 hrs.
- Los presentes de Alejandro Molina en Centro Cultural Universitario CU a las 13 hrs.
- El graduado de Mike Nichols en Centro Cultural Universitario CU a las 13 hrs.
- Cantando bajo la lluvia de Gene Kelly en Cine Villa Olímpica a las 16:30 hrs.
- El secreto de la sostenibilidad de Kep Andersen  en Centro Cultural Universitario CU a las 17 hrs.
- Artemio de Sandra Luz López Barroso en FARO Aragón a las 17 hrs.
- Amor en fin de Salvador Aguirre en Cineteca Nacional a las 18 hrs.
- Jules y Jim de Francois Truffaut en Cine Villa Olímpica a las 19 hrs.
- Ayúdame a pasar la noche de José Ramón Chávez en Cineteca Nacional a las 19:30 hrs.



Viernes 9 de febrero


- Al final de la escapada de Jean Luc Godard en Cine Villa Olímpica a las 16:30 hrs.
- Found footage desde Brasil con Due Strangloscope en FARO Aragón a las 17 hrs.
- Teorema de Pier Paolo Pasolini en Cine Villa Olímpica a las 19 hrs.



Sábado 10 de febrero



- Un crimen oficial de Salvador Otelo en Casa del Lago a las 13 hrs.
- El secreto de sus ojos de Juan José Campanella en Casa del Lago a las 15 hrs.
- No amarás de Krysztof Kieslowski en Cine Villa Olímpica a las 16:30 hrs.
- Symphaty for Mr. Vengeance de Park chan Wook en Casa del Lago a las 17 hrs.
- Amor sin barreras de Robert Wise en Cine Villa Olímpica a las 19 hrs.

Domingo 11 de febrero

- Programa de documental infantil de Varios Autores en FARO Aragón a las 12 hrs.
- WALL E de Andrew Stanto en Cine Villa Olímpica a las 12 hrs.
- Un crimen oficial de Salvador Otelo en Casa del Lago a las 13 hrs.
- Inercia de Isabel Muñoz Cota en Cine Villa Olímpica a las 14:30 hrs.
- En un mundo mejor de Susanne Bier en Casa del Lago a las 15 hrs.
- Flores silvestres de Pablo Pérez Lombardini en Cine Villa Olímpica a las 16:30 hrs.
- Miles ahead de Don Cheadle en Casa del Lago a las 17: 15 hrs.




Cineclubes


Lunes 5 de febrero

- El ruiseñor y la noche. Chavela Vargas canta a Lorca de Rubén Rojo Aura en Cineclub Condesa DF a las 20 hrs. PALOMITAS GRATIS.

Martes 6 de febrero

- El espinazo del diablo de Guillermo del Toro en Centro Cultural Jaime Torres Bodet a las 12 y 19
hrs.
- Iker pelos tiesos de Sandra García Velten y En el espejo del cielo de Carlos Salcés en en FARO Indios Verdes a las 16 hrs.
- El último bolero de Raúl López Echeverría en FARO Oriente a las 16 hrs.

Miércoles 7 de febrero

- La sombra del tunco de Alfredo Bolongaro en FARO Indios Verdes a las 16 hrs.
- Un día sin mexicanos de Sergio Arau en Centro Cultural Jaime Torres Bodet a las 19 hrs.



Jueves 8 de febrero


- Fuego de Guillermo Arriaga en Centro Cultural Jaime Torres Bodet a las 12 y 19 hrs.
- El santo vs. el estrangulador en FARO Oriente a las 16 hrs.



Viernes 9 de febrero


- Meteora de Spiros Stathoulopoulos en FARO Oriente a las 16 hrs.

Sábado 10 de febrero

- El maestro y la flor de Daniel Irabien Peniche en FARO Oriente a las 12 hrs.

sábado, 3 de febrero de 2018

Los Clásicos en Pantalla Grande para ver en febrero.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

El Ciclo Clásicos en Pantalla Grande continúa programando películas interesantes en las pantallas de la Cineteca Nacional durante los fines de semana. Además de que se continúa exhibiendo un clásico a lo largo del mes. En esta ocasión la selección se conforma con cintas de Estaods Unidos, Francia, México y Japón.

Las películas que serán programadas son: Doctor Zhivago de David Lean el 3 y 4 de febrero; El salario del miedo de Henri-Georges Clouzot el 10 y 11 de febrero; La novicia rebelde de Robert Wise el 17 y 18 de febrero; La familia Dressel de Fernando de Fuentes el 24 y 25 de febrero. Mientras que la película que tendrá funciones durante todo el mes será Vivir de Akira Kurosawa.

A manera de reseña.
Doctor Zhivago (Lean, 1965) La cinta basada en la novela de Boris Pasternak está planteada en el
contexto de la Revolución Rusa en donde conoceremos la vida de Yuri Zhivago, un médico y poeta cuya vida, la de su esposa y la de una mujer de la cual se enamora perdidamente se ven alteradas por la guerra.

El salario del miedo (Clouzot, 1953) Ambientada en un pueblo de Latinoamérica, una petrolera estadounidense contrata a cuatro trabajadores para que transporten una carga de nitroglicerina a cambio de una buena suma de dinero. A lo largo de los 500 kilómetros de un camino en mal estado la tensión en la relación de los cuatro comenzará a crecer. Esta cinta, de tono existencialista, es considerada una de las obras más importantes realizadas en Francia previo a la aparición de la Nueva Ola.

La novicia rebelde (Wise, 1965) Austria, 1938, en un contexto en donde el nazismo comienza a crecer en el país vecino, una joven llega a la familia Von Trapp con la finalidad de ser la niñera de la familia. Al quedar enamorada del padre viudo y con el espíritu solidario la llevarán a ayudar a la familia a escapar de la persecución del régimen comandado por Hitler.

La familia Dressel (De Fuentes, 1935) En la Ciudad de México se ha asentado la familia Dressel después de haber emigrado desde Alemania. Frau, la madre viuda se ha encargado de sus dos hijos: Federico y Rodolfo atendiendo una ferretería que es el negocio familiar. Cuando Federico le propone publicitar el negocio en la radio se encontrará con la cantante Magdalena, con quien iniciará una relación a pesar de la oposición y el hostigamiento constante de su madre. Con estos elementos, la cinta es considerada una de las pioneras en el melodrama familiar.
Vivir (Kurosawa, 1952) Ambientada en el ambiente devastado de la postguerra en Japón, encontramos a Kanji Watanabe, quien trabaja como burócrata en el ayuntamiento de Tokio. Su vida rutinaria y con pocos sobresaltos se ve sacudida cuando es diagnosticado con cáncer. Este golpe lo llevar a reflexionar sobre su existencia, y a decidir hacer algo con su vida de lo que no se había atrevido a hacer antes, sin importarle que esto signifique atacar y salir del cómodo lugar en que siempre ha vivido.


viernes, 2 de febrero de 2018

El maíz en tiempos de guerra. Voltear a mirar lo que hemos olvidado.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

Vivimos una época en donde las empresas transnacionales deciden las formas de producir alrededor del mundo. Desde la producción en serie se han buscado formas de hacer más eficientes las labores de los trabajadores y con ello, generar más ganancias a cambio de menor inversión. La agricultura, (que en su momento significara el sedentarismo del ser humano) no ha quedado exenta de estos procesos en donde se prioriza al capital y entre los avances tecnológicos que permiten agilizar la actividad y la manipulación de los genes que permiten que haya una mayor producción han hecho que la actividad cambien en buena medida. El maíz en tiempos de guerra es una cinta que se plantea indagar sobre esta temática.

En el campo mexicano, en diferentes pueblos indígenas aún se sigue practicando la manera de cultivar el maíz de manera “tradicional”, donde de manera religiosa se prepara la tierra, se riegan las semillas, se depende de las lluvias y se cosecha con el esfuerzo humano. En estas comunidades el maíz no sólo es entendido como un alimento más sino como una herencia que ronda en lo sagrado.
La cinta de Alberto Cortés nos pone de lleno con una situación constantemente ignorada en un país en donde el discurso del progreso y la entrada en la modernidad pretende hacer que nos olvidemos del pasado heredado, llevándose entre las patas no sólo a la actividad agrícola sino también a las comunidades indígenas. De esta forma nos hace voltear a ver una tradición milenaria como es la siembra del maíz.

En un recorrido por cuatro lugares diferentes: dos pueblos en Chiapas, Oaxaca y Jalisco, podemos ver que se comparte el proceso del cultivo de este grano que ha sido una aportación mexicana a la gastronomía del mundo y que poco a poco se ha visto desplazada y olvidada por diferentes circunstancias como la migración, la importación del grano, el maíz transgénico, entre otros.

El montaje le aporta al espectador información en todo momento, combina los testimonios de los agricultores y  los procesos de la producción, así vemos que se practica una agricultura de temporal en donde lo más importante es encomendarse a dios con el fin de que llegue la lluvia, podemos tener así diversos acercamientos a la cosmovisión indígenas. Un extra del documental es que la mayor parte del tiempo está narrado en las diferentes lenguas indígenas.


El maíz en tiempos de guerra es una cinta que se antoja necesaria en estos tiempos, en donde el maíz transgénico ha provocado diferentes debates sobre si debe permitirse su utilización. El planteamiento parece sencillo sin embargo, a lo largo de la
cinta y en su posterior reflexión se encuentran diferentes motivos y argumentos que harán voltear a ver de nuevo al campo al cual sólo se le mira en tiempos electorales.

El maíz en tiempos de guerra, Alberto Cortés, México, 2016, 88 min.

CHECA LA ENTREVISTA CON EL DIRECTOR.


La Prima.Cuando una serie de malos factores se junta.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

El trabajo de Vicente Leñero como escritor abarcó diferentes géneros y el cinematográfico no fue la excepción. La cinta más polémica en que participó fue El crimen del padre Amaro, que sería una adaptación del escritor portugués José María Eça de Queirós. El último guión que adaptó fue del mismo escritor y lleva por título La Prima, que es dirigido por Víctor Ugalde y que es el que analizaremos a continuación. 

En la ciudad de Guanajuato habita el matrimonio conformado por Luisa (Natasha Esca) y (Jesús Ochoa), quienes llevan una vida llena de lujos gracias al trabajo de él, sin embargo, las cosas no parecen ir del todo bien gracias a que ella está insatisfecha sexualmente. En un viaje que su esposo decide realizar y que implicará ausentarse por dos meses vuelve a Guanajuato Basilio, un primo lejano con el que en su temprana adolescencia había tenido ciertos acercamientos.  

La reaparición en su vida de Basilio, la presión de sus amigas y el mismo deseo por llevar un vida sexual plena se complementarán para darle la oportunidad de experimentar y embarcarse en una aventura que podría llevarla a problemas que no ha imaginado. 
La historia que nos plantea el guión de Leñero, se asienta en el plano de la comedia para mostrarnos la doble moral que impera en nuestra sociedad, y mientras busca alcanzar otro objetivo toca de pasada algunos otros problemas como la corrupción o las relaciones de trabajadores con sus patrones. 
 

Sin embargo, la manera en que está planteada la historia termina por acabar con ella. Nos encontramos con una mezcla en los diálogos que dan la impresión de ser, muchos de ellos, de hace cincuenta años, mientras que otros tantos se antojan actuales. Pero los problemas no paran ahí, la historia misma que nos plantea el guión termina por volverse predecible gracias a la cantidad infinita de clichés de los que se echa mano, de diálogos que incluso se pueden adivinar gracias a su uso constante en historias cotidianas que pueden verse en la televisión. 

De hecho, cuando se la ve como un todo y gracias al uso de la cámara o los planos y la velocidad en los cortes derivada de la edición, la cinta se antoja más como un producto de televisión que meramente cinematográfico, a esto podemos añadirle que en el plano actoral el trabajo de los interpretes termina por ser totalmente disparejo. Mientras por un lado se tiene gente muy experimentada como Angélica Aragón, María Rojo o Jesús Ochoa, por otro lado se tiene el cuasi debut de Natasha Esca o a Mark Tacher. Esto viene a dar como resultado que muchas de las actuaciones se vuelvan exageradas unas, acartonadas otras 

Este punto, junto con el de algunas situaciones por sí mismas le quitan verosimilitud a las diferentes escenas que se plantean. 

Además de lo anterior, a lo largo de la historia se dan diferentes saltos tanto en los lugares como en el tiempo que terminan por caer en diferentes errores de continuidad. Hay un empleo indiscriminado de sonidos que buscan acompañar e ilustrar las acciones.  


La Prima, el último trabajo de Vicente Leñero, dirigido por Víctor Ugalde termina por convertirse en una cinta que intenta plantear temáticas polémicas como la infidelidad femenina y doble moral que impera en la manera en que le exigen ciertos comportamientos al sexo femenino. La cinta cuenta con un elenco que muchas películas con bajo presupuesto envidiarían, sin embargo, el exceso de personajes, los clichés de los que echa mano y la manera en que está tratado el montaje terminan por hacerla caer. Son más los momentos de comedia involuntarios que los que presenta el guión. Sin duda, un desastre. 

La Prima, Víctor Ugalde, México, 2017, 97  mins Con: Jesús Ochoa, Natasha Esca, Mark Tacher, et. al.

La Región Salvaje. El deseo que mueve al mundo.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

Los géneros de ciencia ficción o fantasía no suelen ser un tema muy abordado en el cine mexicano, la mayoría de las veces por la limitación de los presupuestos de producción, pues el crear monstruos o hacer efectos especiales no es una tarea sencilla ni barata. El caso de La Región Salvaje de Amat Escalante es una de las excepciones que se han realizado en los últimos años dentro de nuestra cinematografía. 

En un pueblo de Guanajuato en una choza perdida en el bosque habita, bajo el resguardo de un par de científicos, un ser venido del espacio, el cual convierte a todo el que se acerca, en un ente potencialmente sexual, el dar placer parece ser su único objetivo. Verónica (Simone Bucio) es una mujer que mantiene una relación con dicho ser, pero, al ver que la vitalidad del extraterrestre comienza a extinguirse es necesario buscar a alguien que la reemplace. 

Fabián (Edén Villavicencio) es un enfermero, pero debe esconder su homosexualidad. Su hermana, Luisa (Ruth Jazmín Ramos), está casada con Ángel (Jesús Meza) y ambos crían a sus hijos. Sus vidas se verán alteradas cuando en ellas aparezca Verónica. Tras entablar una amistad con la misteriosa mujer se desencadenará una serie de sucesos que se irán enredando y desenredando y en donde el amor y el deseo serán un factor importante para la sucesión de los hechos.                                                                                   
CHECA LA ENTREVISTA CON AMAT ESCALANTE

Amat Escalante nos presenta un filme en donde se atreve a dar un giro con respecto a lo que había propuesto en sus anteriores trabajos, pero sin dejar de lado un elemento que lo ha caracterizado: la violencia, dando como resultado una mezcla interesante de realismo con fantasía (no confundir con el realismo mágico de García Márquez ni con lo real maravilloso de Alejo Carpentier). 

Dentro de esa realidad se puede destacar el señalamiento hacia diferentes posturas que siguen presentes en la sociedad como el machismo, la homofobia y la represión hacia las aspiraciones femeninas de poder mantener a una familia. Sin embargo, el exceso en el uso de estas temáticas en algún momento, desde la perspectiva de quien esto escribe, termina viéndose como un cócktel de temas en donde no se profundiza en ellos, y que al final vienen a quitarle fuerza a lo que el director quiere poner como tema central, que es la presencia del ser extraterrestre. 

Para poder presentar esos problemas se echa mano de diferentes pequeñas historias que si bien le aportan un poco a la trama central, también se van enredando de manera un tanto forzada (una muestra de ello es la relación homosexual que mantiene el hermano de la protagonista). 

Sin embargo, la cinta tiene gran fuerza en la creación de atmósferas basado en dos cosas principalmente: la fotografía y el ritmo. Por un lado la fotografía sabe emplear a fondo los recursos con los que cuenta cada una de las locaciones en donde suceden las acciones, así encontramos que no hay empacho en iluminar con una bombilla o en aprovechar las condiciones climatológicas de los exteriores, en donde destaca el uso de la neblina en diferentes ocasiones. 

La otra se centra en el ritmo que se le da a la cinta, en donde se nota un cambio importante en el estilo que había mostrado Escalante previamente, pues ahora se ha dejado de lado el uso de planos largos y una cámara inmóvil para dar paso a un uso mayor de planos de acuerdo a lo que cada acción va pidiendo para obtener el impacto deseado. Mención aparte merece el atreverse a usar la cámara para adentrar al espectador dentro de las escenas a través de movimientos sutiles que van mostrando y navegando por los espacios de los escenarios. 
                                                                                                        MIRA NUESTRA VIDEOCRÍTICA
Las actuaciones son un tema que también debe mencionarse, pues fiel al estilo de las cintas anteriores se utilizan actores no profesionales dando un resultado contrastante, mientras Ruth Jazmín Ramos, en el papel protagónico hace un papel excepcional en donde incluso en su interacción con el ser extraterrestre es totalmente creíble, por otro lado hay actuaciones como la de Jesús Meza quien se presenta poco expresivo y acartonado. El resto del reparto logra hacer un trabajo que logra mantener cierta verosimilitud en la historia. 

La Región Salvaje es una cinta que se antoja propositiva en cuanto a la temática que aborda, en el diseño del personaje espacial y en el atrevimiento del director por cambiar ciertos rasgos en el estilo que había desarrollado y presentado previamente. También es interesante el señalar diferentes problemas sociales, aunque se hace de forma un tanto superficial, lo cual le quita un poco de fuerza a la cinta en su historia central. Una historia que busca ser redonda y en esta búsqueda en ocasiones se siente forzada, que tiene un planteamiento interesante y en donde las atmósferas juegan un papel importante (quizá por encima de la historia), una mezcla que resulta difícil señala con un bueno o un malo, pero que sin duda dejará en el espectador una sensación que lo invite a la reflexión o a la antipatía. 


La región salvaje, Amat Escalante, México-Dinamarca-Francia-Alemania-Noruega-Suiza, 2016, 100 min. Con: Ruth Jazmín Ramos, Simone Bucio, Jesús Meza, Edén Villavicencio, et. al

jueves, 1 de febrero de 2018

Checa aquí la Competencia Internacional del FICUNAM8

Por: Manuel Hernández-Samperio.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) ha dado a conocer la Selección de la Competencia Internacional. En esta ocasión se compone de doce títulos procedentes de diferentes partes del mundo y con una selección de autores tanto reconocidos como emergente que podrán verse del 28 de febrero al 6 de marzo.

La competencia es el reflejo de la línea editorial del festival. Cabe mencionar que están en juego los reconocimientos a través de la Estatuilla Puma a Mejor Película y Mejor Director, además de un premio de $100,000 a cada uno de los ganadores.

La sección está conformada por:

- Antígona de Pedro González Rubio, México, 2018.
- Baronesa de Jualiana Antunes, Brasil, 2017.
- Cocote de Nelson Carlo de los Santos Arias, República Dominicana-Argentina-Alemania-Qatar,
2017.
- Deriva de Helena Wittmann, Alemania, 2017.
- La fábrica de nada de Pedro Pinho, Portugal, 2017.
- Lamaland (Parte 1) de Pablo Sigg, México-Suiza, 2018.
- Que nunca regrese el verano de Alexandre Koberidz, Alemania, 2017.
- Milla de Valerie Massadian, Francia, 2017.
- En lo intenso ahora de Joao Moreira Salles, Brasil, 2017.
- París es una fiesta- una película en 18 olas de Sylvain George, Francia, 2017.
- El sabor del cemento de Ziad Kalthoum, Alemania-Líbano-Siria-Emiratos Árabes Unidos-Qatar, 2017.
- La vendedora de fósforos de Alejo Moguillansky, Argentina, 2017.

Es importante aclarar que Antígona de Pedro González Rubio y Lamaland de Pablo Sigg también estarán dentro de la competencia mexicana, que puedes consultar aquí. Con esta selección el Festival sigue tomando forma y se suman a las secciones de Aciertos (también en competencia), las tres retrospectivas y El Porvenir.