Guía de cine gratis del 31 de julio al 6 de agosto.

Salas de cine 

Lunes 31 de julio

- De hombres y ratoncitos: la fuerza bruta de Gary Sinise en Cineteca Nacional a las 18 hrs.

Martes 1 de agosto

- El relámpago de Mikio Naruse en Cineteca Nacional a las 17:30 hrs.

- Nubes flotantes de Mikio Naruse en Cineteca Nacional a las 20 hrs.

Miércoles 2 de agosto

- Tempestad de Tatiana Huezo en CCU CU Sala José Revueltas a las 11 y 13 hrs.

- Hermano mayor, hermana menor de Mikio Naruse en Cineteca Nacional a las 17:30 hrs.

- Diario de una vagabunda de Mikio Naruse en Cineteca Nacional a las 20hrs.

Jueves 3 de agosto

- Tempestad de Tatiana Huezo en CCU CU Sala José Revueltas a las 11 y 13 hrs.

- La voz de la montaña de Mikio Naruse en Cineteca Nacional a las 17:30 hrs.

- A la deriva de Mikio Naruse en Cineteca Nacional a las 20 hrs.

Cineclubes

Lunes 31 de julio

- Heli de Amat Escalante en Casa de la Cultura San Antonio Iztapalapa a las 12 hrs.

- 12 Monos de Terry Gilliam en Centro Cultural Elena Garro a las 18:30 hrs.

Martes 1 de agosto

- El increíble castillo vagabundo de Hayao Miyazaki en Biblioteca Vasconcelos a las 13 hrs.

- Un hombre que llora de Mahamat-Saleh Hauron en Museo Nacional de Arte a las 16 hrs.

Jueves 3 de agosto

- La sombra del caudillo de Julio Bracho en Colegio Nacional a las 18hrs.

Viernes 4 de agosto

- El rey del barrio de Gilberto Martínez Solares en Museo Casa de Carranza a las 15 hrs.

- Selección de cotometrajes MIC Género de Varios Autores en Museo Memoria y Tolerancia a las 15 hrs.

- Los ofendidos de Marcela Zamora en Museo Memoria y Tolerancia a las 15 hrs.

Casa Roshell. Un espacio para la tolerancia.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

El travestismo, igual que la homosexualidad y el resto de las preferencias sexuales que se salen del molde que mucha gente calificaría como “normal” sigue siendo estigmatizado al grado que quienes lo practican se han visto obligados a esconderse por el temor a las represalias. Casa Roshell, denominado un transdocumental retoma el tema para sacarlo a la luz y exponernos un poco sobre esta situación.

En un trabajo que nos mete de lleno en la Casa Roshell, dirigida por Roshell Terranova, la cual funge como una casa-bar en donde se imparten talleres y en algunas noches se da paso a la convivencia entre los asistentes que buscan pasar un tiempo liberando las pulsiones que su rol como género masculino les obliga a reprimir.

Es así como poco a conocemos las historias de diferentes personajes que han encontrado, en sus visitas al lugar, la forma de ser felices sabiendo que no serán juzgados por sus preferencias.

El documental de Camila José Donoso es un trabajo que nos pone de lleno en un tema que ha sido poco explorado dentro de la explosión de la temática de la diversidad sexual: el travestismo. Del cual podemos decir que quienes los practican no necesariamente son homosexuales, pero encuentran cierta satisfacción al vestirse como lo haría en sociedad el sexo opuesto.

Con una narrativa que mezcla diferentes testimonios con los momentos de la vida misma dentro de la casa, vamos conociendo la situación que nos confirma que en muchas ocasiones esta actividad no es bien vista, lo cual ha obligado a los visitantes a “esconderse” para poder sentirse libres de hacerlo.

La atmósfera empleada en el documental respeta en gran medida la que se tiene en la casa, lo cual se

refleja en la fotografía, en la cual predomina la poca iluminación que invita al espectador a introducirse en la intimidad del bar, de las historias y de los personajes que comparten parte de su vida y sus experiencias.

En cuanto a los encuadres, tenemos que la directora se apoya en gran medida de los elementos que el lugar le proporciona, destaca el empleo de los reflejos que se producen en los espejos del lugar, para mostrarnos a diversos personajes, mientras que en otras ocasiones se emplea el lenguaje propio de la cinematografía que va acompañando al espectador a través de la trama planteada.

Acaso uno de los problemas que enfrenta es que en algunas ocasiones se busca alargar algunos

encuadres más tiempo del necesario, lo cual a su vez propicia que la cinta tenga un ritmo lento y que se vaya perdiendo la atención pues en esas ocasiones poco sucede a cuadro.

Casa Roshell es una cinta que tiene gran valor en su intención de retomar una temática que poco se ha explorado y en ocasiones ha sido ignorada, con la casa como protagonista nos muestra que si sus muros hablaran sería el testimonio mismo de la difícil situación de muchos que han pasado sus noches ahí y del esfuerzo que han tenido que hacer para poder ser aceptados con sus filias. Es un documental que merece ser visto por antojarse como un punto de vista diferente a lo muchas veces presentado.

Casa Roshell, Camila José Donoso, Chile-México, 2017, 71 min. Con: Roshell Terranova, Liliana Alba, Lía García, et. al. 

La idea de un lago. Sin idea del futuro.

Por: Masiel Rico L.

El paso del tiempo trae consigo aquellas experiencias que nos forman como personas y construyen lo que seremos siempre. La idea de un lago cuenta la historia de Inés quien tras la pérdida de su padre creció en un ambiente rodeado de dudas y tristeza, representadas principalmente por su madre. 

Dirigida por Milagros Mumenthaler, esta película argentina hace un constante juego del tiempo para mostrarnos una edición que va entrelazando el presente y el pasado, dejando a su vez, abierta al público la construcción del futuro de los personajes. 

Tomando como locación un bello paisaje natural donde la calma y la paz contrastan con la historia en cuestión, Mumenthaler nos muestra cómo los daños del pasado siguen siendo una tormenta innegable en el presente de Inés y a su vez evidencia las dificultades de una familia cuya relación permanece tambaleante gracias a la desaparición del padre. 

Gracias a los continuos cortes que guían a la audiencia entre lo que ha pasado y la actualidad, se construye una variante narrativa que a pesar de no ser lineal, se puede tornar lenta y un poco pesada debido a la libertad de interpretación que se deja al público y a la ausencia de claridad en la trama misma. 

El desarrollo de los personajes es un reflejo de esta situación, pues queda un tanto inconcluso ya que a pesar de mostrarnos un esbozo sobre sus vidas y tormentos, sus respectivas historias dejan abierto al espectador la decisión de completarlas, sin darle suficientes elementos para hacerlo. 

Como elemento rescatable, la fotografía no sólo está planeada para acompañar a la acción sino también aprovecha la belleza de las locaciones mediante un buen uso de la luz y tomas amplias que incitan a la contemplación y a su vez logran en gran medida transmitir el ambiente relajado de la naturaleza y la atmósfera un tanto más agitada de la ciudad. 

Escenas clave como la de Inés en el lago imaginando un Renault 4, dan un importante toque artístico al filme, complementado el estilo "vintage" que caracteriza las escenas del pasado y dando un respiro a la audiencia mediante la musicalización y la imagen. 

Por su parte, la paleta de colores empleada en Inés permiten resaltarle en todo momento, haciendo

evidente para el público que es el personaje principal y contrastándola con el constante estilo grisáceo que predomina en la escenas desarrolladas en el presente. 

A pesar de estos pequeños elementos destacables, la trama cierra con un final abierto situado en el pasado planteado a lo largo de la historia, generando en el espectador más preguntas que respuestas.

La idea de un lago, Milagros Mumenthaler, Argentina-Suiza-Países Bajos-Qatar, 2016, 82 min. Con: Carla Crespo, Rosario Bléfari, Juan Barberini, et. al.

Viejo Calavera. Vicios y malas condiciones laborales.

Por: Manuel Hernández-Samperio.

En Latinoamérica las condiciones laborales de los trabajadores no suelen ser las más óptimas para desempeñar las actividades, en muchas ocasiones esto puede desembocar en accidentes que, en el peor de los casos, puede terminar en la muerte de los trabajadores. Las minas son uno de los lugares que menos condiciones justas presenta para sus trabajadores, el ejemplo más sonado es probablemente el de los mineros chilenos atrapados, pero as diario suceden situaciones así. Viejo Calavera es una cinta que lo muestra.

Elder Mamani ha perdido a su padre en un accidente en una mina, desde entonces va por la vida sin ninguna motivación, se dedica a tomar y a pesar de haber conseguido un trabajo en la mina gracias a uno de sus tíos, no se toma las cosas con responsabilidad, al grado que sus propios compañeros comienzan a rechazarlo.

La cinta de Kiro Russo es el reflejo de una de las problemáticas que ha acompañado a los trabajadores latinoamericanos desde los tiempos en que se encontraban bajo el yugo colonial, pues desde entonces eran tratados como piezas intercambiables yendo en contra de sus derechos y de las

condiciones mínimas de seguridad, las cosas, como se ve reflejado en el filme, que además cuenta con la característica de utilizar locaciones reales, no han cambiado gran cosa.

Las actuaciones llegan a ser un tanto contrastantes, pues se decidió emplear también a la gente que se desempeña como minero para la cinta, lo cual en muchas ocasiones provoca que se sientan un tanto acartonadas.

El estilo del director tiene tendencias marcadas hacia los encuadres contemplativos, en donde en muchas ocasiones las escenas son largas y las acciones ausentes, lo cual puede llegar a molestar al espectador.

La iluminación tiene la característica de ser acorde a la propuesta, pues al ser el escenario principal una mina, se emplea poca luz, dando como resultado gran verosimilitud en las atmósferas en donde se desenvuelven los personajes.

Viejo Calavera es una cinta que tiene como elemento interesante el hecho de buscar dotar de gran verosimilitud a la historia a través del empleo constante de la vida real a través de lugares y personajes que se desempeñan en la minería, también es un llamado de atención a las condiciones en que trabajan los mineros y una generación que cada vez más está cayendo en una actitud de indiferencia hacia la vida, sin embargo, estos elementos se encuentran de frente con una narrativa que en su afán contemplativo se hace un tanto complicado para su interpretación.

Viejo Calavera, Kiro Russo, Bolivia, 2016, 80 min. Con: Julio César Ticona,Narciso Choquecallata, Anastasia Daza López, et. al.

Swagger: Gente con estilo. La otra cara del primer mundo.

Por: Masiel Rico L.

Hablar de países de primer mundo nos refiere sin duda a un lugar seguro, tranquilo, que ofrece a sus habitantes una buena vida y grandes oportunidades. Swagger: Gente con estilo, dirigida por Olivier Babinet, es una ventana a un ambiente contrastante que a pesar de no ser una referencia global, también forma parte del paisaje francés. 

Con un estilo documental que se complementa a ratos con la ficción, este filme nos muestra el mundo y la perspectiva de 11 niños franceses que radican en Aulnay-sous-Bois, un barrio pobre de Francia que, a pesar de ubicarse en los alrededores de la siempre pintada como glamurosa París, está rodeado de una atmósfera completamente distinto a la ciudad turística reconocida a nivel mundial. 

A través de entrevistas que versan sobre contrastantes temas, la cinta nos muestra no sólo el entorno en el que éstos jóvenes se desenvuelven, sino también sus aspiraciones, temores, deseos e ilusiones, mientras con algunos toques cómicos también transmite claramente la inocencia que aún les caracteriza.  

Babinet ofrece al espectador la oportunidad de conocer un ángulo distinto del primer mundo, para hacerle ver que la inseguridad, la delincuencia y la pobreza no están excluidas de estas grandes naciones y que su impacto en la sociedad francesa actual es mayor del que podríamos imaginar. 

Uno de los temas centrales del filme es sin duda el racismo, que se expone de forma constante durante los 84 minutos de duración, mostrando no sólo el alto grado de discriminación que se vive en este país, sino también los efectos y emociones que genera en estos adolescentes y niños.  

Con una fotografía que cuida los detalles de cada toma, la película realiza un continuo juego entre los personajes y la cámara, haciendo que ésta se convierta en un personaje más, mientras en otras ocasiones se diluye sutilmente en lo que parece una conversación entre los personajes y el espectador mismo. 

La escuela en la que se realiza la mayor parte de la película cuenta con amplios espacios que permiten que la narrativa se construya como una charla íntima y en confianza y a la vez ofrece coloridos escenarios que brindan un aspecto más optimista que los temas con los que se lidia.  

Al mismo tiempo, el uso de la ficción permite que la historia se cuente de una forma dinámica, brindando también momentos cómicos y estimulando la imaginación de la audiencia. De igual forma, la musicalización de la cinta complementa los elementos visuales para generar las emociones y transmitir las ideas del director de forma más evidente, haciendo una clara alusión al ambiente en el que se desarrolla esta historia. 

Es así como Swagger: Gente con estilo nos muestra otra cara del primer mundo, contándonos las historias de estos 11 jóvenes y compartiendo un mensaje optimista donde a pesar de las dificultades siempre hay cabida para los sueños y las aspiraciones.  

Swagger: Gente con estilo, Olivier Babinet, Francia, 2016, 84 min. Con: Aissatou Dia, Mariyama Diallo, Abou Fofana, et. al.